Mitsuo Miura

3/8/1994 - 2/10/1994

Comisario: Armando Montesinos
Artistas:
Textos: Vicente Lorca, Armando Montesinos
Montaje:
 

Nota de Prensa:



La Sala de Exposiciones del Koldo Mitxelena Kulturunea presenta una selección de obras de Mitsuo Miura, artista japonés afincado en España desde 1966.

Las obras que forman esta exposición, realizadas desde mediados de los años setenta hasta la actualidad, nos ofrecen la posibilidad de descubrir el proceso creativo de este artista. Su variada trayectoria, con distintas etapas y épocas, mantiene una entidad propia y, utilizando un lenguaje de formas simples, realiza una interpretación del paisaje en la que el color es el elemento fundamental.

Mitsuo Miura. Su vida.

Nace en 1946 en Iwate, una ciudad industrial del norte de Japón. donde realizó sus primeros estudios artísticos. Como él mismo dice, ha sido un hombre con suerte desde el principio, pues cuando era niño tuvo un profesor particular que, sin imponerle obligaciones, le proporcionó una valiosa información sobre el que luego sería su trabajo. Con él aprendió a pintar y a dibujar, pero sobre todo a considerar la pintura como una parte fundanmental en su vida.

En 1965 decide hacer un viaje por Europa para conocer de cerca el arte europeo y, después de recorrer varios países, se instala en España en 1966.

Estudia Grabado durante 3 años en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, pero no le gustó su sistema de enseñanza rigurosa y excesivamente técnico.

En 1981, el Museo Español de Arte Contemporáneo le consagra una exposición retrospectiva. En 1983 obtiene el Premio de Pintura en el Certamen de la Ciudad de Granada y en 1985 el Primer Premio Lassalle de Pintura en Barcelona.

Actualmente combina su trabajo artístico con las clases de pintura en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y además realiza una labor de promotor artístico y editor de arte a través de la galeria Ginkgo

Mitsuo Miura. Su obra.

El conjunto de obras que constituyen esta exposición nos muestran el trabajo realizado por Mitsuo Miura desde mediados de los años 70 hasta 1994.

Su trayectoria artística comienza a desarrollarse a su llegada a España y, aunque haya evoluciones y etapas diferentes, su obra mantiene una entidad propia en la que podemos encontrar algunas referencias a movimientos artísticos internacionales. Pero a la vez se consolida con un estilo personal y diferente con respecto a lo que sus contemporáneos y amigos están elaborando en España.

A mediados de la década de los setenta. Miura realiza una obra gestual que se ha relacionado con el expresionismo abstracto de Jackson Po1lock. Estas obras presentan una semejanza formal a las del artista americano en los entramados de color y en las espesas texturas, pero a diferencia de éste, la obra de Mitsuo Miura se construye siguiendo un orden, sin intención de dar libre uso al automatismo y al azar.

Como decía Santiago Amón, esta obra de Mitsuo Miura responde a las ideas primordiales de orden y de vibración: las pinceladas se multiplican en infinitas vibraciones, pulsiones y acentos de color, siguiendo un principio de ordenación. Miura establece un equilibrio entre orden y vibración. A veces ordena la superficie en torno a una línea central o dividiéndola en cuadrados, para luego rellenarla de regueros y chorros de pintura de colores. Otras veces invierte el procedimiento y realiza primero las vibraciones de color, esparciendo gestualmente la pintura, siguiendo un orden riguroso o dibujando después una trama cuadriculada.

A finales de los setenta comienza a desarrollar sus investigaciones en la naturaleza, utilizándola como materia, objeto y símbolo. Son obras que se relacionan con el Land Art en cuanto al trabajo realizado en el paisaje; aunque el mismo Miura dirá más tarde que le parece más cómodo no intervenir en el paisaje, que prefiere estar físicamente lejos.

A esta época pertenecen los dibujos y las fotografías presentes en la exposición, en los que podemos apreciar algunos ejemplos de su investigación sobre el encuadre. En algunos casos la solución al problema del encuadre la encuentra en la propia naturaleza. En otros, es él el que realiza construccioncs mínimas, discretas y de una gran simplicidad, como en las composiciones con las varas de madera sobre la arena o los montones de arena, que luego fotografía.

Hay un tercer modo en el que la intervención se realiza en el laboratorio fotográfico. En este caso, después de haber fotografiado un cielo con nubes, Miura manipula la ampliadora de manera que en la copia aparezca inscrito un rectángulo transparente que encuadra el cielo y le da otra calidad.

En los dibujos y grabados plantea también el tema del encuadre, presentando unas imágenes centrales rectangulares, rodeadas de grafismos a modo de marcos.

A principios de los ochenta, Miura realiza un trabajo escultórico con referencias al Arte Minimal. Son sobrias esculturas vacías, creando composiciones espaciales rectilíneas. La madera es tratada con distanciamiento artesanal, sin revelar agresión alguna. Son piezas perfectas, de factura geométrica exacta que contrastan con el resto de la obra presente en la exposición.

La vuelta a la pintura, en 1984, la realiza Miura con una serie de pinturas acrílicas en las que juega con la combinación de dos elementos: la mancha y la forma geométrica pura.

Sobre un fondo cálido y sensual, de manchas con suaves gradaciones tonales, superpone, en contraste, un cuadrado monocromo de color frío. Estas obras están estrechamente relacionadas con las fotografías del cielo, realizadas a finales de los setenta.

El tema del paisaje es una constante en la obra de Mitsuo Miura. Un paisaje concebido sobre todo como espacio,contado a partir de la percepción del propio artista, que se sitúa ante él como un observador dotado de una gran capacidad de análisis.

Muchos pintores han tratado de reflejar en sus obras el paso del tiempo en el paisaje, los cambios de luz. Mitsuo Miura contempla y medita el paisaje que luego recreará en su estudio. El paisaje construido conserva datos esenciales de lo visto, pero no todos. No se trata de imitar la naturaleza sino que, valiéndose de imágenes procedentes de un paisaje determinado establece un discurso plástico con amplias y ramificadas implicaciones.

120º en la playa de los Genoveses es una expresión que aparece reiteradamente en su obra a finales de los ochenta. La playa de los Genoveses ,en Almería, es un lugar real y concreto, punto de partida para determinar un método de trabajo que va a consistir en la observación y reflexión del paisaje y en la reproducción de esa actitud contemplativa.

Mitsuo Miura fotografía y toma notas en sus recorridos por la playa, para luego someter los datos que ha recogido a un proceso de manipulación y de síntesis. De esta manera. los elementos y motivos del paisaje inicial contemplado sufren un proceso deliberado de abstracción, convirtiéndose en colores planos: rojos. amarillos, verdes, azules, ocres, grises, etc.... que representan el mar, el cielo, la tierra, la arena, la vegetación, las montlañas. el aire, la humedad. la luz,...

Para Miura, más que las formas reconocibles del paisaje importa el clima, la emoción, la temperatura, la percepción de un lugar, la angulación de un viento, la densidad del color en el paisaje.

La referencia no sirve para una representación más o menos real del paisaje, sino como reflexión de una vivencia, de una sensación. Su obra es una interpretación del paisaje y nos muestra su realidad a través del color.Los l20º aluden a la visión, a la capacidad de abarcar del ojo humano, al ángulo comprendido por el objetivo del la cámara fotográfica. 120º es también la medida angular que Mitsuo Miura utiliza en muchas de sus pinturas e instalaciones.

Desde los años 70 Miura realiza periódicamente instalaciones en diversas salas de exposición, pero es a partir de finales de los 80, cuando éstas se hacen más frecuentes e integran una parte de la exposición.

Los objetos y las obras que incluye en sus instalaciones, como ocurre con el resto de su obra, están relacionados directamente con los elementos del paisaje.

Cuando penetramos en un espacio en el que Miura ha intervenido con sus obras y sus materiales, sentimos la sensación de estar en otro lugar, de cambiar de ambiente. Rodeados de cuadrados, cruces y círculos de color que nos informan sobre la intensidad de la luz, los paisajes de Mitsuo Miura incluyen también otros elementos: la sal, dispuesta formando un ángulo de 120º sugiere la cercanía del agua salada del mar: las piezas circulares metálicas, presentadas sobre la pared frente a la sal, son como gotas de agua que reflejan la luz.

A través de éstos y de otros elementos, como los cristales y los plásticos agujereados, Miura logra crear atmósferas húmedas, propias de un paisaje de playa.

La trayectoria personal de Mitsuo Miura se ha construido sobre una independencia ejemplar respecto a las modas y un apasionado compromiso con las raíces más puras y elementales de la belleza.

Su obra emana sensaciones de placer, de tranquilidad, de felicidad, recrea el lado apacible del mundo. Su lenguaje es el de la síntesis y la simplicidad, la conclusión final de una larga meditación.

Movimientos artísticos y artistas

Arte conceptual: Arte que renuncia a la realización material de la obra y, en su lugar, despliega ideas y proyectos en forma de bocetos y diseños quo tratan de estimular la capacidad imaginativa del observador con incitaciones específicas a la acción o a la reflexión.

Arte minimal: Movimiento abstracto que ha marcado la escultura en los años 60 y 70. Reduce la forma escultural a los determinantes esenciales del volumen, eliminado todo detalle figurativo. El gesto del artista se convierte en secundario, las obras tienen un aspecto perfecto, fabricadas industrialmente.

Expresionismo abstracto: Arte abstracto no geométrico. Surge hacia 1945 en América y pone de relieve el acto físico de pintar, dando importancia al gesto y al uso libre y expresivo del color. El artista abandona los métodos tradicionales y utiliza técnicas nuevas: hace chorrear y gotear la pintura sobre el lienzo, pinta con las manos, etc.

Instalación: noción que aparece en el arte del siglo XX y que implica la realización de obras efímeras, utilizando y mezclando materiales y técnicas diversas en el espacio donde sean presentadas.

Land art: Movimiento artístico desarrollado a finales de los años 60 en América y en Inglaterra que se basa en las intervenciones en la naturaleza.

Pollock, Jackson: artista tunericano. máximo representante del expresionismo abstracto.